和声是多声部音乐的音高组织形式，是音乐表达的基本手段之一。就作曲理论的一般概念而言，和声是与对位法（即俗称的“复调音乐”）相对应的技术范畴。在19世纪末之前的一百多年的音乐实践中，和声一直被视为对位法的基础。

和谐有两个基本属性：色彩功能和结构功能。

色彩函数是和谐的声学效果。在音乐中，和声依靠这种功能独立或与其他因素共同参与音乐表演。

结构功能是指和声对于曲式构成的意义。这主要表现在：（1）球场纵向组合的组织作用； (2)建立或瓦解调性和调式的作用； (3)发展或终止某种结构的作用。两种功能的对立统一是内部矛盾和谐的集中体现。它决定了和声风格的历史演变以及各种和声现象的特点。

大调和小调和声

大调和声和声是以自然大调和和声小调为基础的和声体系。大调音阶和小调音阶的音符之间的关系决定了该系统的基本词汇的构成及其应用的逻辑。大调和小调和声所使用的和弦是根据三度叠加原理组合的。这一原理已被音乐物理学证明与泛音系列直接相关，泛音系列是反映发声物体振动模式的音高系列。

作为一种历史风格，大调和小调和声在从欧洲巴洛克时期到浪漫主义时期的音乐实践中都很流行。它是巴赫、莫扎特、贝多芬、瓦格纳等音乐家所使用的和声体系，并不断创新和发展。到了19世纪，和声又分为自然音系和半音系。这既是同一体系不同历史阶段风格特征的体现，也是两个阶段由浅入深和谐的象征。瓦格纳之后，由于德彪西为代表的和声创新浪潮的影响，大调和小调在音乐中的主导地位让位于其他创作风格；但作为一个高度成熟的体系和客观存在的大多数现有音乐文献中发现的创作原则仍然继续在广泛的领域发挥作用。普通音乐教育将其作为基础课程之一；对于作曲家、指挥家和音乐学家的培养来说，这是一个难以逾越的阶段；大量作曲家仍然部分甚至完全使用大调和小调和声技巧来创作自己的作品。

四声部和声写作

一般来说，和声教学愿意采用四声部合唱作为写作训练的基本形式。这样做不仅是因为这种形式简单、清晰、易于掌握，而且还因为它恰好与早期大调和声和声的常见形式一脉相承。通过这种形式的写作训练，有助于对整个系统有一个基本的理解。此外，四声部和声的结构原理也在一定程度上反映了某些声音组合的普遍规律。将其作为和声写作基础训练的中心议题，还可以引发室内乐、交响乐等更为复杂的创作形式的转变。声部名称、音域及记谱 在四声部和声的书写中，各声部的名称分别为高音部（一般也称为“旋律”部）、中音部、次中音部。四声部的限定音域与一般混声合唱相同。声音的交叉和相邻声音的音高位置的反转会破坏声音的自然平衡，应该避免。和弦音的重复并不等于省略了各个和弦的音数。在三度重叠的和弦系列中，三和弦只有三个音，七和弦有四个音，九和弦有五个音，还有六音、七音甚至更多音的和弦。这些不同音数的和弦在四声部和声中不可避免地会遇到和弦音的重复和省略的问题。除了考虑和弦中音符数量的差异外，音符的重复和省略还有一个更重要的出发点，那就是和弦的音级状态以及和弦结构中各个和弦音的状态。由于这里的情况多种多样，需要结合各个和弦的使用来具体研究，所以先不做概括性的总结。编排方法 从声部之间的距离来看，四个声部的编排有两种基本形式：开放式编排，上面相邻的三个声部之间的间隔大于五度（但不超过八度）；可以获得协调、平衡的泛音，个别声部的进展也比较明显。当上述三个相邻的声音密集排列时，它们之间的间隔不超过四度，就能得到厚重的和声。丝带状的线条会掩盖个体声音的进展。在写作中，两种编排方法可以根据音乐演奏或声部进行的需要单独、交替或混合使用。低音声部作为和声的基础，它与次中音声部之间的音程不涉及声部的排列。一般允许在一致和12度的范围内移动，最大距离不应超过15度。上面三个相邻声部之间的音程超过一个八度，或者低音部和次中音部之间的音程超过十五度，称为超开放式排列。这样的写法会影响和谐的凝聚力，应该避免。

和声分析

和谐学习中的写作训练必须与分析相结合。四部分写作所采用的技术“标准”，都是从一定历史时期大量成功作品的调和经验中总结出来的。真正实用的和声技巧总是存在于优秀的音乐作品中。只有通过正确有效的谐波分析，才能将理论与实践联系起来。对于主要目标不是作曲的和声学习者来说，和声分析甚至应该成为他们锻炼和提高和声理解力的基本途径。如何才能使和声分析正确有效？关键是解决这个选题的理解和方法论问题。从思维活动的具体形式来看，和声分析一般可分为三个层次：

第一层次是和声素材分析，主要解决和弦、和弦外音、调式、调性的识别问题；第二个层次是和声语义分析，需要从和声材料的联系上理解和声材料。顺序逻辑，并试图揭示音乐结构中的和声、作曲和演奏的意义；第三个层次是和声风格的分析，需要对更多的作品、作曲家的个性、艺术思潮等广泛的领域进行比较和研究，从而得出对某部作品、作曲的和声风格的认识。家庭或艺术学校。

这三个层次既相互联系又相互区别。第一层次是一切和声分析的基础，但必须发展到第二、第三层次才具有真正的意义；第三层次属于专门研究的范围，一般不是基础和声学习的重点，但以风格概念为指导的“料”或“语义”分析总是事半功倍。所有合格的学习者都应该更加努力地提高对和声风格的理解。

键盘练习

本教程中的键盘练习不仅以增加和声的感性体验为目的，更有培养键盘即兴演奏和和声能力的使命。因此，练习的设计将尽量避免键盘上四声部和声的简单重复，力求探索基于键盘的四声部和声。也就是说，如何将四声部写作中学到的一些最简单、最典型的和声语言转化为适合键盘乐器演奏的音乐织体，永远是本教程键盘练习的中心话题。有没有可能找到一条捷径，抛开四声部的和声练习，直接进入键盘和声的练习呢？简单地否认这种改进教学程序的良好意愿可能并不合适。但许多成功的和声教学经验表明，培养键盘即兴和声能力需要一定的和声基础，而四声部和声写作训练是奠定这一基础不可缺少的一部分。将四种和声练习改编成各种键盘质感的练习，确实是和声学习中理论联系实际最有效的方法之一。

本教程中的键盘练习与和声理论的学习同时进行。它考虑到了键盘乐器的特点、手部限制、即兴创作的简单性要求以及初学者掌握各种键盘纹理的循序渐进的规则。希望合格的学习者能够完成键盘上的每一步。课程中规定的练习。技能的获得和提高往往是通过简单的重复数千次来实现的。在键盘上即兴创作和声的能力只有通过长期坚持不懈的练习才能提高。

和谐的基础知识

一般认为，和声是随着旋律（基调的“色彩”）而出现的，其最简单的表现就是两个或多个音符之间的关系。从公元 1600 年左右到本世纪，和谐遵循共同的基本原则。即使在这个时期，作曲家的和声处理方法也发生了巨大的变化。

和声技巧可能起源于公元9世纪或更早的平原圣歌（单旋律赞美诗，中世纪教堂音乐的一种）的平行声部，后来发展为复调写作，一种“多层”的音乐，每一层都有独立的旋律。因为这样合成的音乐听起来好听，即具有“和声”，所以在音乐的发展过程中就形成了和声的概念，同时演奏的一串音符（和弦）也随之形成。逐渐作为标准型号使用。该模型已被纳入音乐声音基本原理的结构中。

每种声音或音调都有自己的泛音，不同音质和泛音之间的关系可能更近或更远。这些音调和泛音之间的关系是大调音阶和小调音阶。 （小调音阶），因此也成为大调及其相互关系，即调性（tonzlity）的基础。因此，作曲家可以根据这个音调框架，以不同的方式“组合”不同风格的音乐作品，同时保持和谐。

到巴赫和亨德尔时代，复调或对位作曲方法在音调框架内得到了很好的确立。最复杂的巴赫赋格曲完全与复杂的音调进行（转调）交织在一起，并回归到作品的基调。

18世纪末，为了让受教育程度较低的听众更容易接受并在较长的演奏过程中保持注意力集中，并朝着大众化的方向，调键变化的速度放慢了很多。这导致奏鸣曲的形式更加宽敞和对称。海顿和莫扎特等古典作曲家在他们的音乐中展现了他们那个时代的精致和明显的简单性，与华丽和装饰性的巴洛克风格形成鲜明对比。

但很快人们就发现，古典音乐的优雅过多地抑制了贝多芬的强烈情感。从贝多芬开始，我们看到了浪漫和谐的开始。调的变化比较突然，而且相关性不太密切；和弦比较集中。半音系统是从古典风格的形式转调发展而来的。转调不再严格受对称关系控制，而是直接进入音阶的变化，但这并不意味着单失去了调性。无论音调变化多么复杂，都不会失去原调的基础。舒伯特音乐的一个独特标准是在一部作品中令人惊讶地使用了几个完全不相关的音调。当然，开头和结尾的key是一样的。

瓦格纳大胆的半音阶和声体系给他的后人留下了不可磨灭的印记，这一点从浪漫主义晚期持续不断、卓有成效的音乐作品中可见一斑。那个时期的作曲家包括理查·施特劳斯（Richard Srrauss）、马勒和布鲁克纳等。然而，德彪西在上世纪末创建全音阶之后，就彻底脱离了传统的和声理论。全音阶体系在音乐上表现出的朦胧感觉对印象派画家的体系产生了很大的影响，他很快就影响了整个法国作曲家所留下的理论。瓦格纳受到了勋伯格、伯格和韦伯恩等所谓第二维也纳学派的侵蚀和质疑。 尽管勋贝克写了正统的和声与对位法教科书，而且他的早期作品也具有瓦格纳的风格，但他现在最出名的是他的作品。他创造的系统序列主义被他的弟子继承，并直接影响了斯特拉文斯基和其他20世纪的作品。